Леонид Луговых как неакадемический художник Екатеринбурга.

Современное искусство отражает стремительно меняющуюся сущность мира сегодня — развитие технологий, урбанизацию, информатизацию, массовость стиля и образа жизни человека. Искусство стало ориентироваться на символические формы познания, у которых отсутствует конкретный объект. Главенствующим стало образное выражение идей всеохватывающего характера.
В связи с тем, что в академической системе представлений об искусстве произошёл некоторый распад, перестала соблюдаться определённая иерархия жанров, основу которой составляла связь между зрителем и произведением, искусство не осознаётся в привычных категориях стилей, техник и жанров, а дифференцируется на основе различных форм его репрезентаций.
Современное неакадемическое художественное творчество постепенно формирует свою среду, в которой активно развиваются музеи и галереи современного искусства. В этих институтах репрезентируются отличные от традиционных идеи воплощения мыслей художников, воздействующие на все сферы культуры и общества. Деятельность современных художников требует новаторства идей и смелости жанровых решений: всё сложнее выделиться из толпы и представить людям нечто неповторимое.
 Основополагающим в моей работе является вопрос о становлении современного неакадемического художественного творчества Леонида Луговых.
Леонид Луговых – современный уральский художник и поэт. Как характеризует его портал GIF.RU, Леонид – «самопровозглашенный гений-самородок. Изобретатель “вечных двигателей” и создатель “Виртуального музея современного уральского искусства”». Леонид Луговых продуктивно работает в Екатеринбурге с 1990-х годов. Художник начинал свой творческий путь с живописи на грампластинках («Фальшивые Михайловы», «Бабочки»), попыток изобретения вечного двигателя, участия в создании уральского видео - арта. В последние годы он особенно известен работами в жанре уличного портрета. Самым длительным его проектом является «Хромосомные портреты». Это своеобразный экспериментальный художественный отклик на международный исследовательский проект «Геном человека».
История Леонида начинается  с фотографирования телевизора. Он работал с контрольно-измерительными приборами в различных НИИ и занимался сварочными работами. Начало своего художественного пути Леонид описывает так: «Художником я стал случайно, хотя я всегда мечтал им стать. Когда я ездил по стране, то любил заказывать свои портреты у уличных портретистов. Потом, когда у меня появились очень большие деньги, я решил скупать произведения искусства, но вместо произведений искусства купил за свои большие деньги собственную жизнь.  Чтобы не расстраиваться решил создавать произведения искусства самостоятельно. Тем более что у меня уже был опыт участия в международном художественном проекте (мейл - арт журнал "Дабл").  В 91-м году я фотографировал телевизор. В августе фотографировал события в Москве, но все мои пленки были засвечены. Пленки засвечивали обе стороны конфликта. И я решил научиться рисовать, чтобы фотографировать без пленок и фотоаппарата. Имея опыт работы с контрольно-измерительными приборами, я легко создал несколько гениальных картин (телеизображения - фото - рисунок - живопись), которые продал, к своему большому удивлению. Потом поучаствовал в нескольких коллективных художественных выставках. Позже я захотел заниматься видео - артом. Потому, что до того как стать художником, я ремонтировал телевизоры. И художником я стал, только благодаря этому... Я фотографировал телеизображения, для того чтобы увидеть то, что все видят, но не замечают, то что воздействует на подсознание телезрителей. Потом я создавал из этих визуальных образов живописные картины».
Первая практика уличного портретирования началась параллельно участию в проекте современного искусства «EVROCON». 2 июля 1995 года Луговых перерисовал сидя на улице фотографию какой-то незнакомки, случайно найденную на вахте. С тех пор каждый год в один и тот же день он изображает её снова и снова. Можно проследить, как меняется стиль автора.

 Эта фотография была, так же, использована для двух больших портретов (60х80 двп. м) Европа и Азия, которые экспонировались на выставке  "Евразийский синдром".  Между этими портретами был установлен филиал евразийской границы.


Хромосомные портреты – пожалуй, смело можно назвать визитной карточкой Леонида Луговых. «В 95-96 учебном году у нас часто менялись преподаватели, которые часто исправляли исправления своих предшественников. Чтобы внести ясность в процесс обучения, я просил разных преподавателей исправлять карандашами разных цветов. Как художник известный в художественных кругах, я мог себе это позволить. Кроме того, я просил своих знакомых художников, так же вносить разноцветные исправления. Моя соученица по колледжу, которая училась ещё и в медицинском училище, однажды выразилась по поводу этих разноцветных рисунков, что это не рисунки, а "хромосомы какие-то"» - вспоминает художник.
Проект "хромосомный портрет" со временем превратился в хромосомный видео-арт, объединив рисунок фото и видео.
В конце 1996 года состоялась ещё она немаловажная выставка для творчества Леонида Луговых - «Генетика, энергетика, терроризм». Художник вспоминает: «Все жанры современного искусства мы собрали в кучу и показали уральской публике». Впервые там был презентован «кинетически метафизический» проект воображаемых вечных двигателей.  Впоследствии на обратной стороне хромосомных вечных двигателей он нарисовал первые хромосомные портреты.


Проект вечных двигателей (1996 гг. )

Также на выставке был показан один из первых перформансов, реализованных совместно с Александром Голиздриным.

Художники находятся в неком стеклянном аквариуме и  играют в карты Таро, причём обнажённый Голиздрин символизирует  «распущенный» Запад, в то время как одетый Луговых – целомудренный Восток.
В начале 2000-х Леонид в своём личном блоге пишет о том, что он  «осознал ситуацию постмодернизма». Тогда к нему пришла мысль соединить Ван Гога с Малевичем, и получить синтез творчества 3-х художников, включая его самого.

По задумке, подсолнухи Ван Гога, тянутся к свету и теплу. Чёрный квадрат Малевича, который располагается на заднем плане, символизирует победу над солнцем и превращение энергии солнечного света в энергию электрическую, которую в свою очередь можно снова преобразовать в свет или в какой-либо другой вид энергии. Эта работа как бы существует в мире после победы над солнцем. В 21-м веке свет служит не только источником энергии, но и носителем информации, несущим терабайты материалов. Эта работа невозможна без существования электричества и интернета. Эта работа многослойна. В ней использован сложный монтаж в стиле  постмодернизма. Она делалась в течении нескольких лет (2001 - 2006). Она была окончательно сделана для выставки "HTP-apt".

В 2002 году Леонид Луговых провёл «Открытие филиала границы Европа-Азия» - акцию по возвращению мифологии месту, в рамках его прагмакультурного метапроекта «Игра в Борхес». Это было простое в исполнении, но насыщенное знаково-текстовыми изысками (в виде спичей участников, церемониальности, использования мифических оборотов) действие по формальному переносу евразийской границы в центр Екатеринбурга .Что же касается «Игры в Борхес», то это концептуальный коммуникативный проект, запущенный в пространство города с 1997 года, объединивший художников и литераторов в корпорацию «игроков-интеллектуалов». Весь проект состоит из большого количества концептуальных сложных текстов, строго прописанных медиа-правил, существующих исключительно виртуально, и серии однодневных арт-действий.

Каждый жест, произведенный сосредоточенными авторами, совершающими акт передвижничества границы, — демаркация «пунктирной линии» на отдельном участке Екатеринбурга в виде протягивания яркой ленточки, водружение символической пирамидки, исполосованной красным и оранжевым скотчем, публичное замыкание амбарного замка на ажурных перилах мостика, смешивание соленых вод Эгейского моря с рекой Исеть, протекающей под этим мостиком, — сопровождался необходимыми пояснениями. А внешняя несерьезность акции в виде сбора «знаковой отметины» границы из наспех обструганных досок и применения китайских канцелярских товаров только подчеркивала ее концептуальный характер. Неустойчивая же деревянная пирамидка, как символ «переносимой границы», обретя сущность, превратилась в подобие «летучего корабля», перемещаясь по улицам и возникая не только в экстерьере города, но и даже проникая в квартиры. Авторы, стремясь к гибкости художественной игры, и не пытались закрепить границу в строгих рамках определенного места, изначально придав «филиалу» мигрирующе-мистический характер.

Преображение города через символическое превращение реки Исеть в реку Времени, установление памятной таблички, написанной от руки, напротив «камня Родонита», создание новой мифологической ауры вокруг «плотинки», окруженной бывшими странноприимными домами и современными культурными центрами, — не это ли желанная цель многих мегакультурных проектов? При минимуме средств — максимум результата.

Акция переноса границы имела большой резонанас. Ее снимали одинадцать телекамер. Видео прошло по десяти каналам телевидения. Кадры с видеокамеры на которую снимала Алиса Прудникова можно найти в журнале Zaарт.

В начале 2000-х на выставке «Виртуальный мир» у художника появилась идея пост-компьютерной живописи. Из практик "пост-компьютеного" искусства Леонида Луговых  в 2013 году происходит его концепция "био-процессора", сложившаяся на стыке его прежних увлечений технологическим искусством (net- и sсience-артом) и новых - идеями трансгуманизма.

Помимо неорганических (физических и химических), он начинает исследовать биологические механизмы конструирования визуальных образов, обращаясь к процессу биохимического синтеза. Внимание художника сосредоточено на способе производства белков в живой клетке, программируемого её генетическим кодом. В нём "сборка" различных по своим свойствам веществ производится из ряда общих элементов - аминокислот. Такая функция позволила художнику сопоставить их со структурными единицами живописи (красочными мазками) и электронно-цифрового искусства (пикселями), включив их в свою общую концепцию визуального. 

В 2013 г. Луговых сделал несколько рисунков, в которых структурно организовывал наборы визуализированных аминокислот - цветовых пятен с включёнными в них их химическими формулами, - в единые "блоки", что позволило ему создать его живописный образ. Позднее Луговых начал внедрять "био-процессор" в свои мультиграфические работы, сменив им прежнюю схему организации изображения – цветовую матрицу.

 Художник пишет: «Био-процессор - это аминокислоты вписанные в двоичный генетический код. Молекулярная масса каждой аминокислоты соответствует определенной длине ЦВЕТОВОЙ волны.»

«Био-процессор», (2013)

Современное неакадемическое художественное творчество Леонида Луговых функционирует в контексте идеи глобальной креативности, проецируя мировоззренческую систему художника и способствуя созданию нового в искусстве Екатеринбурга. Рассматривая художественную историю Леонида Луговых можно  проследить своеобразие развития художника, чье творчество объединяет знания о компьютерных технологиях, биологии, генетике, астрологии, истории искусств и прочего. В логике его рассуждений происходит объединение нескольких полей: личная история и практический опыт, полученный в течение жизни (обучение натурному рисунку, работа на телевидении, социальные сети). Искусство Леонида Луговых актуально и ново, он свежо смотрит на проблемы современности. 

Неакадемическое художественное искусство является особым видом творческой деятельности, которая в меньшей степени ориентирована на достижения в культуре предшествующих эпох. Леонид не рассуждает о развитии науки и техники, а включает достижения НТР в своё творчество, создавая тем самым искусство, которое отвечает требованиям современности и стремится к уходу от традиционных установок в культуре.

Неакадемическое художественное творчество является особым видом творческой деятельности, которая в меньшей степени ориентирована на достижения в искусстве предшествующих эпох, отвечает требованиям современности и стремится к уходу от традиционных установок в искусстве.

Н Нимакова

хромосомный портрет.

Очень краткая история арт-рынка с моей точки зрения.

Все то, что я читал и слышал об арт-рынке туфта и сказки, сказки и туфта. Я сам бы охотно во все это верил, если бы в течении многих лет не рисовал заказные портреты.
Художники люди не очень хорошие, так себе люди. Но народ их любит, потому что они когда то создавали образы Божественного. А некоторые даже писали Богоматерь (я тоже писал). Церковь заказывала, мастера работали, а Власть данная Богом все это дело оплачивала. За одно, чтобы показать свою божественность, Власть заказывала художникам собственные изображения.
Когда то придворные художники писали королей, принцев и принцесс. Когда то портреты женихов и невест играли важную политическую роль при
заключения династических браков. Короли заказывали портреты невест, богатые люди заказывали росписи своих сундуков. Заказывали, так же, Венер
для спален, и не было никакого арт-рынка. Он появился только благодаря кальвинизму и кальвинистским "как бы иконам".

У кальвинистов (Пуритан, Гугенотов) нет богослужений, есть только проповедь искренней веры и труда, которые должны привести к счастливому процветанию. В кальвинизме нет икон, роль икон там играли маленькие, тщательно проработанные картины сделанные при помощи камеры обскура (фотографии выполненные вручную). Сейчас эти картины называют "малыми голландцами". Кальвинисты украшали ими свои дома вместо икон. Акт покупки такой картины был для них, как бы, религиозным актом, способом выразить свое уважение к трудолюбию.
С 15 века художники, скульпторы и печатники объединялись свои корпорации (гильдии святого Луки). С появлением арт-рынка в Голландии гильдии святого Луки стали его регулировать таким образом, чтобы защитить своих членов.
Для Версаля Людовику 14 нужно было много талантливых декораторов, но ему невыгодно было иметь дело с парижской гильдией святого Луки, и он основал собственную королевскую академию художеств. Которая была создана по образцу папской академии в Риме и академии Медичи во Флоренции. Со временем академиями обзавелись многие монархи.
Академии устраивали свои выставки - академические салоны, для того чтобы показать превосходство академиков над простыми художниками. Каждый мог участвовать в салоне, но салон всегда должен был показывать превосходство академиков. Монархи торжественно посещали выставки своих академий и делали там закупки. Вслед за монархами выставки посещали придворные. Выставки академий были элементом великосветской жизни. Участие мог принять каждый. Покупая искусство на академической выставке, каждый мог почувствовать себя князем (принцем Шукеном).

Люди, естественно, украшали свои дома изображениями, но это была, в основном, печатная графика, которую продавали торговцы книгами. Картинами же занимались торговцы редкостями. Чтобы картина имела ценность она должна была быть редкой и уникальной. Коллекционеры картин собирали их в собрания, которые продавались и перепродавались. На основе крупных собраний в последствии были созданы музеи. Чтобы прославить свое имя в веках достаточно было создать музей. Музеи создавались монархами. С развитием промышленности появились промышленно-торговые короли, которые тоже стали создавать свои музеи. От Николая Второго остался Русский музей, от Павла Третьякова - Третьяковская галерея, хотя он даже торговым королем не был. От многих торговых королей не осталось ничего.
Традиционно центром искусства считалась Италия. Состоятельные люди после путешествий в Италию привозили картины (итальянские виды). Другим центром искусства и МОДЫ был Париж. В Париже проходили всемирные выставки, которые пропагандировали все модное и передовое (авант-гардное). После посещения Парижа туристы тоже привозили виды. Но самые передовые везли из Парижа авангардную живопись. Авангард покупали американцы, покупали русские: Морозов и Щукин (выдававший себя за принца Шукэна). Некоторые английские коллекционеры тоже покупали. А Роджер Фрай даже придумал постимпрессионизм, которого, как бы не было. Постимпрессионизм - это то что входило в коллекцию Фрая.
Импрессионисты и постимпрессионисты были людьми с деньгами. Некоторые были богаты, а Кайбот и Сезан - очень богаты. Им не нравилось то, что выставляют в Салоне (они всерьез занимались живописью). Вместо того чтобы покупать чужие картины за свои деньги они писали свои. И сами их выставляли. Но всех превзошел итальянский миллионер Маринетти. Он писал футуристические картины чужими руками. Он покупал не картины, он покупал таланты. Немцы Уде и Канвейлер вели себя скромнее и примитивнее. Они занимались кубизмом и примитивом. Во время первой мировой войны их коллекции были конфискованы. После войны их распродали за гроши. Французы авангард не покупали, им он был не нужен. Многое почти даром купил Андре Бретон, основатель сюрреализма. Потом спекулировал авангардом. Сам сюрреализм - это тоже спекуляции на тему авангарда. Трюк Бретона повторила Пегги Гугенхайм в 1940 году, перед оккупацией Парижа она скупила по дешёвке все что можно и вывезла это все в Америку, прихватив в качестве мужа Макса Эрнста (будущего вдохновителя американского абстрактного экспрессионизма).

Между двумя мировыми войнами изобразительное искусство развивалось там, где была государственная поддержка. искусство развивалось в Советском Союзе,  в Италии, в Мексике. Когда в США тоже решили развивать искусство в общественных пространствах, своих художников там не нашлось. Художников завезли из Мексики, потом пришлось отскабливать Ленина со стены в Рокфеллер-центре. В последствии художественный критик Гринберг так запугал сотрудников ЦРУ советско-мексиканским соцреализмом, что они решили поддержать отечественный американский абстракционизм. Не случайно, что самым дорогим художником стал Джаспер Джонс рисовавший картины с с изображением американского флага. Пиши нечто похожее на американский флаг и ты будешь успешным и гениальным. Изображай убогий советский коммунальный быт, как Илья Кабаков, и ты будешь гениальным и успешным. А что касается красивых картинок в духе соцреализма, то они не имеют никакой финансовой и художественной ценности. (Пытался их продвигать один галерист, галерист Миши Брусиловского, но как то он вдруг неожиданно исчез, он пропал в СССР, так что к ЦРУ никаких претензий).
Возможно, никакого соцреализма вообще не было, просто советский режим насильно заставлял художников портить холсты. Да еще был муж великой художницы Фриды Кало, который тоже там чего то малевал на стенах. Но это неважно, ибо настенная роспись должна быть абстрактной. Абстракция организует дизайн пространств новой архитектуры. Об этом еще Кандинский говорил, когда преподавал настенную роспись в Баухаузе. Пейзажи, ню, натюрморты, портреты организовывали дизайн пространств старой архитектуры, абстракция - новой.
Абстракционизм организует дизайн пространств новой архитектуры. В некоторых странах есть даже закон, что при возведении новых зданий на дизайн их пространств нужно тратить определенный процент. Это стимулирует продажи абстракционизма. 
(Продолжение).

В 2017 году моя "архивация художественного развития" участвовала в проекте "50 лет уральского искусства". Там  же был показан видио-арт с моим участием сделанный на студии U7. Собственный смартфон  дал мне возможность создавать видео-арт самостоятельно и я решил внедрять видео-арт в уличный портрет на новом этапе.

Видео арт делает из обычного рисунка современное искусство. Письмо, рисунок, фото, видео, компьютерная графика для меня едины. Просто это разные уровни абстрагирования. Я это понял когда в колледже учился по пособию для фотошопа.

Видео-артом я начал заниматься в 1987 году. С начала ремонтировал телевизоры, потом  стал фотографировать изображения, и перерисовывать их, чтобы осознать влияние телевидения на подсознание, на внутренний мир. (Тогда же я предсказывал появление карманного телевидения на основе полевых транзисторов).  Мои предсказания сбылись на много раньше. Когда они сбылись и у меня появился смартфон, я решил выражать внутренний мир и биологическое развитие при помощи видео-арта.

Рисуя портреты на улице, приходится ограничиваться изображением головы. Остальное тело это как бы внутренний мир. А видео-арт помогает увидеть фигуру полностью. Он так же, помогает выразить динамику модели.

2016. Архивное искусство, социальные сети.

Когда говорят слово искусство, то подразумевают живопись. Так исторически сложилось. Но живопись никогда не была главной движущей силой для создания и распространения  визуальных образов. Эту роль всегда играла книжная графика. Живопись маслом на холсте появилась как дешевая замена настенных ковров. А книжная графика является наследницей наскальных, пещерных и храмовых росписей. Любые визуальные образы, на самом деле, являются иллюстрациями к написанным или не написанным книгам.

Свою книгу уличного портретирования я начал писать в 2000 году, когда стал внедрять концептуальное искусство. С тех пор я записываю концепции и описания нарисованных моделей. Таким образом у меня сложился архив и я решил внедрять архивное искусство на современном этапе.

Пик архивного искусства был в 2004 году. 2004 год - год основания фейсбука. Социальные сети изменили мир. Каждый пользователь социальной сети имеет свой общедоступный архив. Я решил работать с виртуальными архивами моделей и купил для этого смартфон.
Технология такой работы проста. Нужно зайти в социальную сеть модели, достать фото и нарисовать портрет. Но большинство фотографий оказалось непригодно для хромосомного портрета. Пришлось фотографировать самому. Это было, как бы, селфи. А я был, как бы, селфи палкой.

https://vk.com/lida_gorshkova

В мире миллиарды селфи, но они не имеют художественной ценности. Художественную ценность имеют селфи соединенные с хромосомным портретом.Это суперселфи.  Я показывал своим моделям образцы суперселфи и просил делать селфи подобным образом. Потом соединял селфи и хромосомный портрет. Я корректировал селфи при помощи хромосомного портрета.

vk.com/sonyasochor

Работа с социальными сетями дала возможность наблюдать виртуальную жизнь моделей. По сравнению с записями в журнале это прогресс. Виртуальная жизнь моделей - художественный образ прогресса для уличного портретирования.

vk.com/va_iv

В следующем 2017 году моя "архивация художественного развития" участвовала в проекте "50 лет уральского искусства". Там так же участвовал мой видио-арт, показанный когда-то по всем телевизионным каналам. Это сделало меня популярным в течении месяца, и я смог начать внедрять современное искусство в уличный портрет. 

2015

Опыты внедрения современного искусства в практику уличного портретирования. (искусство в общественных пространствах, стакизм).

В конце 2014 года в ГЦСИ проходила очередная интеллектуальная платформа очередной бьеннале, на которой обсуждалось искусство в общественных пространствах. Там я нарисовал хромосомный портрет за 22 шекеля. И решил внедрить искусство в общественных пространствах в практику уличного портретирования.

В 2010 году я уже внедрял паблик-арт, но за 5 лет у меня появились новые технические возможности, новые технологии и новые знания. И я решил попробовать это дело Еще раз на новом уровне. В 2010 году вместе с паблик артом был Neo поп, в 2015 стакизм.

Общественные пространства городов заполнено рекламой. Несанкционированной рекламой так называемым стрит-артом, который рекламирует все что угодно ... иногда он рекламирует наркоманию, Но обычно это самореклама, которая говорит Мы крутые потому что мы банда. Санкционированное реклама рекламирует товары политиков и звезд шоу-бизнеса. У звезд шоу бизнеса самая красивая реклама.

Когда-то я занимался паранормальной театральной критикой. Паранормальная критика заключается в том, чтобы составить мнение о мероприятие по его афише. В 2015 году я стал заниматься паранормальной музыкальной критикой. Я внимательно анализировал афиши по пути на Плотину, фотографировал их, потом по этим фотографиям рисовал хромосомные портреты звезд.

Работая с афишами, я понял, что звезды шоу бизнеса нужны для того, чтобы украшать города красивыми портретами. За портреты на афишах платит публика. Красота портретов убеждает людей сходить на шоу. Но было бы идеально если бы публика покупая билеты, не ходила бы на шоу. Вдохновленный подобными идеями, я уговаривал людей с билетами вместо посещения концертов рисовать у меня хромосомные портреты. Пару раз мне это удалось.

На самом деле человек просто поссорился со своей женой, не пошел на концерт Наташи Королевой, и заказал у меня хромосомный портрет. Во время рисования этого портрета, я  объяснял, что такое статизм. После чего встал внедрять стакизм в практику уличного портретирования.

Я надев шляпу 18 века, призывал не посещать модную галерею стрит-арта, потому что стрит-арт это дерьмо... Стрит-арт это самореклама которая несёт одно послание: “Мы крутые потому, что мы банда”. Кроме того, стрит-арт портит красивые рекламные афиши.

Стакизм это английский неудавшийся (застрявший) неоэкспрессионизм. Статизм - это возврат к живописи и картине. Стакизм - это критика современного искусства(в основном YBA и стрит арта).
Соединив стакизм с хромосомным портретированием, я получил картины хромосомных слив которые похожи на филогенетические деревья. Слива удивительное дерево. С хромосомной точки зрения, слива это соединение двух растений:терновника и алычи.

Критикуя современное искусство в рамках статизма, я согласился с тем что все современное искусство GAVNO. Я рассматривал GAVNQ не с точки зрения отрицания и негатива, а с биологической точки зрения. Современное искусство это гумус GAVNQ на котором цветут прекрасные цветы пиара, концепции рекламных стратегий и. т. д.

Во время работы очередной биеннале, я рисовал портреты кураторов и участников при помощи интернета и социальных сетей. Эти портреты выражали мое отношение к современному искусству (с биохимической точки зрения). Свою точку зрения на современное искусство, я не навязывал. Поэтому в конце 2015 года принял участие выставке “Парное катание”. В ГЦСИ были выставлены хромосомные портреты звезд шоу бизнеса.

Другие изображения 2015.